艺术和真相你更爱谁

时间 : 12-29 投稿人 : 牛牛点击 : 次

王鲁炎坦然承认自己在艺术上挺招人烦的，他的作品不但不讨好你的眼睛，还充满了冰冷的理性。“我的作品极少有人们喜闻乐见的感觉或者情感表达之类的东西，我喜欢在作品中论证，实际上这并不讨喜，甚至令人讨厌。”他说这话时的语气是愉悦的，甚至还有些许得意。

第一次见王鲁炎是在一年之前，当时对他的第一印象是这个人很特别，说白了就是和别人不一样，方言有个词叫“各色”，用来形容他一点都不错。早年间他在“新刻度小组”的时候，“我们向策展人介绍‘新刻度小组’作品时，常有策展人觉得我们说得很乏味，当着我们的面打哈欠看手表，公然表现出不耐烦。“新刻度小组”作品中的数量关系与合作规则，以最终取消艺术家的个性为目的，这显然与从个性出发的艺术标准相去甚远。“新刻度小组”对个性价值的质疑即刻遭到个性价值观念的质疑，它无疑是属于最难让人接受的艺术，这一点令我兴奋。但是随着时间的推移，似乎有越来越多的人开始接受“新刻度小组”，“新刻度小组”的展览机会也变得越来越多，这反而让我沮丧，因为这意味着我们还在已有的艺术经验之中。”更绝对的是：“当古根海姆找到我们“新刻度小组”谈展览项目的时候，“新刻度小组”却选择了解散。当一家纽约画廊欲要以大价格经营“新刻度小组”的手稿时，我们销毁了历时八年的全部手稿。”

第二次见到王鲁炎时他依旧有新的“各色”故事可讲。“艺术通常是不用做论证的，因此极少有艺术家在作品中论证。人们习惯在艺术中感受而不是思辨，脑力艺术令人厌烦。”说完了王鲁炎自己都笑了出来，他接着讲：“我曾经在一个展览上回答观众的问题，我的回答让他们听着很累。他们工作了一天，想在艺术中看到一些赏心悦目的东西，从而得到休息，但是我让他们更累了。”他讲这个故事的时候你仔细观察他的表情，就会知道他话语中的得意之情绝对是发自肺腑的。

我试图看到真相

和王鲁炎聊天，你会觉得他是一个喜欢读书，尤其是喜欢读理论书的人。王鲁炎的作品很多都和悖论有关系，他能条理清晰语速不变地把其中的道理系统化地给你论述一遍。经常和他聊天，你会觉得这个人适合去当哲学老师。不仅是因为他能把一个道理“掰扯”清楚，还因为他非常思辨。说起思辨，这几乎是艺术家们最不必要也最少具有的一种素质，通常大家都觉得艺术家应该与敏感、激情、感情为伍，但是王鲁炎却远离这一切。他的作品理性、思辨，充满了用于衡量事物关系的精确刻度。

“用感性作为表达方式的艺术家为数众多，所以不差我一个。”王鲁炎玩笑式的说。他试图从一个独特的角度逃离已有的艺术经验，使艺术思考与实践置身于已有的艺术经验之外而不是其中。对他而言最重要的是：“通过艺术的方法观察和理解事物，然而事物的真相隐藏在表象的背后，理性的艺术方式则能够使表象背后的存在成为可视。”艺术对他而言就是一种个人意义的认识论，而每个人都会有认知世界的个人角度。他不想以说教的方式居高临下地告诉观众什么，他“希望与观众共同面对事物之间的相互关系，选择发现和理解的角度，而不是作出简单的判断或结论。”他希望与观众一起获得“由艺术引导的视觉思维方式。”

王鲁炎是一个从理性出发的艺术家，是一个惯用视觉论证的视觉思辨者。他最近正在创作一幅高达6米宽17.5米的巨幅绘画——“教堂”。“教堂充满了博大的慈悲、宽容与爱，凝聚着无比崇高的信仰。教堂高耸的穹顶指引虔诚的信徒进入天国，它高大地让人自觉渺小，需仰视才见。但是，教堂也有需要俯视才能看到的东西。自有宗教以来，死于宗教战争的人多过任何人类的战争。直到今天，几乎每天都有人死于宗教冲突。我从俯视的角度画了一个需要仰视的巨大教堂，教堂的建筑结构布满了伤害意义的锯齿，这些都与教堂的爱意相反，我利用画面巨大的尺寸，使这种俯视需仰视才见，一个需要仰视才能看到的俯视，这就是悖论。”

在王鲁炎看来，“世界早就已经标准化了，世界由各种不同甚至相反的标准组成。”王鲁炎做了两个巨大的金属三角尺，一个三角尺上的刻度标准是每厘米12毫米，另一把三角尺上的刻度标准是每厘米8毫米。他在作品中传达出的信息是：“判断一个事物正确与否，取决于我们选择何种标准。但是我们过多地强调了自己的标准，忽略了与自己不同或者相反标准的存在。”他认为这是导致冲突和流血的根源，因为我们共同生存于多重标准并存的世界之中。

他认为：“悖论是一种最为普遍的存在。”艺术是哲学、文学不可替代的视觉思维方式，艺术可以把不可视的存在变成可视，这是艺术最吸引他的东西。从这个角度来讲，他没有兴趣在艺术中表现在现实之中已经能够看到的东西，他总是在把某一种不可视的存在通过艺术转换成为一种可视的存在。他喜欢表现那些看不到的东西，即便在他作品中出现了一些日常能够看到的东西，那也是这些东西表面背后的不可视的东西。要做到这一点他就不得不超越感性甚至个人性，从这个角度可以说，“艺术的理性方式是一种需要，是不得不做出的‘被迫’选择。”因为他试图接近事物的真相，而“真相存在于事物的关系之中，感性方式对于接近真相不仅无用而且有害。”

然而在艺术中思辨在很多时候是费力不讨好的事，人们已经习惯了愉悦感官的艺术。但是王鲁炎压根就不想用艺术愉悦感官。可是艺术中的思辨总会有可能滞后哲学一步。但在王鲁炎看来艺术的视觉属性仍然是哲学不可替代的。其实“艺术家无论表达什么都是在为他的艺术方法论提供一个借口，换句话说，艺术的方法经常比艺术的内容更重要。”

王鲁炎说自己在生活中不一定和作品一样思辨和理性。但是只要随便聊起一个话题，他都会表现出骨子里的那种思辨性。谈及读书，王鲁炎说读书也有利弊。他说自己很少读书，但并没有因此丧失思考的能力。在交谈中他极少引经据典，而是直接表达自己的观点。他并不反对读书，但是“通过自己独立思考得到的观点与通过阅读得到的观点存在本质的差异，因为前者属于自己，后者属于别人。”他坚持认为，即便前者因为无知获得的观点重复了后者，那也具有独立思考与阅读之间的差异。在他看来，“能否独立思考意味着能否独立观察事物和思想，这对于艺术家来说就像生命一样重要。”

来自精英时代

王鲁炎，1956年生于山东，从小来到北京。1979年王鲁炎参加“星星画展”，1989年参加“中国现代艺术展”等许多重要展览。可以说他是中国当代艺术中为数不多的经历和见证了中国当代艺术每个发展阶段的重要艺术家。王鲁炎最早从事油画创作，后来放弃油画进行抽象和综合绘画创作。但是无论油画还是抽象绘画都不能解决他的问题。直到1989年他与顾德新、陈少平组成“新刻度小组”，他才找到能够解决问题的方法，最终彻底放弃了油画和抽象画。

王鲁炎拥有那个年代所特有的深入骨髓的精英意识。目前为止王鲁炎还从来没有送拍过一件自己的作品。“我觉得这个不是艺术家的事情，这是市场的选择。”这是十几年前艺术家会回答的非常传统的答案，到了今天王鲁炎也还是这个答案。

谈到当代艺术中正在被消解的精英性，王鲁炎不以为然。他说“前一段时间卡布尔在大皇宫里面做了一个几乎充满整个空间的巨大球体装置，球体里面光怪陆离，观者可以穿行其中，排队看这个作品的人有两三里地。有观点认为，这是典型的反精英主义的大众化了艺术。我认为正好相反，因为精英主义不是实现社会财富而是实现社会幻想。喀布尔的作品体量已经大到远远超出了市场运作的极限。展览一经结束，它就会变成了完全没用的东西必须拆除。它不仅创造社会财富，相反它会巨额消费社会财富。这种艺术实践的可能性，在艺术家之中是绝对意义的少数，在我看来是典型意义的精英主义。”王鲁炎的这个说法倒是颇为有趣。

隐退与回归

冲破束缚的中国当代艺术从上世纪90年代开始了迅猛的发展，突然之间爆发出的艺术繁荣让人眼花缭乱。但是王鲁炎那个时候却开始了朝九晚五的上班族生活，作为一个开拓者，更作为一个既得利益者，他的这一行为简直令人匪夷所思。“我开始上班，做一家报社的艺术总监，这样的生活大概继续了十多年吧。”在这段很长的时间里，他极少在艺术圈里露面，几乎不再参加任何展览。虽然他未曾停止过艺术创作，只是更加地缓慢。他真的消失在了人们的视线之中，消失在了看似花花绿绿的一片“繁华”之中。如今笑谈当年事，王鲁炎说：“那时推掉了很多展览，我当时最头疼的事情就是怎么才能在不得罪人的情况下推掉展览。那时我极少看展览，偶尔看到展览的感受就是庆幸自己不在其中。这种状态一直持续到2004年左右，他说：“我很喜欢这种缺席的状态。”

为什么王鲁炎离开艺术界时间长达十几年之久？估计这个问题已经有许多人问过王鲁炎。“我们知道上世纪90年代的中国当代艺术主流价值标准是以政治性、非法性，中国身份，中国符号为主导的，我显然不属于这个时代的艺术价值标准。”他认为在中国有两种艺术家，一种是国界身份模糊的艺术家，一种是有显著中国身份特征的“中国艺术家”，在西方后殖民的语境中，“中国艺术家”的机会明显多于艺术家，而王鲁炎这一时期显然不属于机会多的艺术家。

在那段时间里，王鲁炎的创作主要是一些草图，他的兴趣是将一些思路在草图上反复修正，他的想法一经在草图上完成就会被束之高阁并不实施。对于纯粹性的追求使他甚至开始质疑交流的动机与意义，直到2007年他复出，在阿拉里奥举办了个人展览，并评为了2007年度十大展览之后，他才慢慢走出了这种状态。

在中国当代艺术中，王鲁炎明显属于另类。另类是他的艺术价值标准，是他刻意的追求。因为他始终认为“交流语境遵守的价值标准是相异而不是相同。”强烈的区别意识驱使他在艺术中做别的艺术家不齿且很累的事，他强调“艺术家之间的区别意识应该提前到思维方式，如果艺术家在面对画布或者材料时才想到区别早已为时已晚。”他用了近20年的时间不断打碎和重建自己的“关系自足的系统”，这使得他的艺术具有了可以明确识别的区别意义的个性化特征。值得注意的是，王鲁炎作品的可识别性从来不借用中国符号、中国身份、社会主义意识形态等特征。他从不追随潮流，尤其对主流避之唯恐不及。但是，这意味着他要为此付出代价，因为区别的道路艰难坎坷，寂寞漫长。王鲁炎70年代进入当代艺术以来，始终能够耐得住寂寞，自愿被主流价值标准边缘，这是他最终能够在中国当代艺术中与众不同脱颖而出的重要原因。

标签美术教学美术文摘艺术理论艺术知识

上一篇：书协副主席:宋代东西不如毕加索? 并不存在泡沫下一篇：俞丰：他们艺术我们生活

从“滇风”走向“巅峰”的画家——吉瑞森[图文]

云南省的西双版纳，是举世闻名的旅游胜地，也是著名的热带雨林，更是画家吉瑞森寻梦的天堂。吉瑞森，一个典型山东汉子的风骨，一副侠骨柔肠的心境，一位活跃在当今中国花鸟画坛的著名画家。其作品中展现的自然风物，融进了太多的个人情感，也汇集了画家对西双版纳的无限热爱。用其独到的感悟、抒情的画笔，尺幅间传递着对自然界浓浓的深情和极尽完美的诠释，也用自己的画作，有力地证明了中国花鸟画的发展前景和美好未来。吉瑞森...
253 美术知识美术资料艺术常识艺术杂谈
石涛：搜尽奇峰打草稿[图文]

搜尽奇峰图作者：逍遥堂主人当傅抱石还叫傅瑞麟的时候，他爱上了石涛。那一年，他18岁，刚刚初小毕业升入江西第一师范，他因此而给自己改名傅抱石。其实，这已不是他第一次改名了，10岁那年，他就将本名“长生”改成了“瑞麟”。不过，他为世人所知的还是18岁的这次更名。我曾仔细考据过傅抱石更名的原由。有一种说法是因为他自年轻时便心仪屈子品德情操，崇仰...
218 美术理论美术常识艺术科普艺术杂谈
许钦松——岭南山水的革新者[图文]

2002年，广东文联等多家专业机构在广东画院举办了许钦松个人山水画展，展出50件中囯画新作，岭南美术出版同时推出《许钦松山水画集》。在一个各种展览已经多如牛毛的年代，当年许钦松这一展览，人们最感兴趣的地方似乎还是在于，这是一个版画名家的中国画个展。新闻媒体甚至美术界的同行们关注的，主要是版画家许钦松左右开弓，两手都要抓的创作取向。坦白一点说来，对于新闻媒体兴趣盎然的“跨界&rdqu...
1430 美术知识美术资料艺术常识艺术杂谈
林散之之子林筱之得其父遗韵淡泊名利醉心艺业[图文]

林筱之林筱之作林筱之，原名昌午，生于1928年10月，原籍江苏省南京市江浦县林山乡。时居南京中央路119号1单元301室。现居南京市浦口区乌江镇桥北林散之故居，其父乃书画大师林散之先生。筱之三岁识字，五岁从父学画，得其教导和熏陶，经过七十余年的学习，画临黄子久、渐江、石涛诸家，书学王羲之、王献之、颜真卿、李北海，于乙瑛、曹全诸碑，均有涉猎，后书风颇似其父，气势平稳，书风秀逸，笔间苦藤，内含灵...
660 美术理论美术常识艺术科普艺术杂谈
佩戴明清翡翠对人体有什么影响吗？

明清翡翠，作为一种历经岁月沉淀的珍贵宝石，自古以来就深受人们的喜爱。它不仅以其独特的色泽和纹理展现着大自然的鬼斧神工，更承载着深厚的历史文化底蕴。然而，关于佩戴明清翡翠对人体是否有影响，这一话题在珠宝界和医...
63 明清翡翠佩戴明清翡翠翡翠
徐伟：从博物馆里走出的书法家[图文]

《芳满闲轩》《题长安壁》徐伟出生于京城宣南，其先辈为梨园名家，喜以书翰自娱，并与书界名流交往甚厚；受家庭影响，徐伟自幼迷恋戏曲并对书法产生了浓厚兴趣。宣南地区自清代以来即人才荟萃，少长贤集，大批的诗人、学者、政治家、艺术家均居住于此。会馆、庙宇、戏楼、书肆、园林中书法作品触目皆是，所以徐伟从小就耳濡目染，用他自己的话说，他“无才学戏、无志念书，偏偏酷爱写字”。他认为，&...
1347 美术理论美术常识艺术科普艺术杂谈
摄影随笔：什么是纯摄影[图文]

一直觉得，广告口号对相机厂商来说实在很重要，提升了形象和品味，制造出优越的感觉，自然就会吸引到人们口里反覆念着对白，然后手里拿出钞票付款，毕竟在这个年代，这些感觉比起规格和数据更受大众欢迎。印象中对上一个成功的口号应该是Olympus的“心态决定境界”，而近期大概就是Nikon的“PurePhotography”。那什么是纯摄影呢？可能Nikon的...
1074 艺术理论美术知识美术文摘美术评论
莫言:写作一直追求变化如若不然就没有什么意义[图文]

资料图：莫言。廖攀摄杨扬：我阅读过《四十一炮》，印象中作品依然保留着您原有的风格，但也有变化。先说原有的特色，我想给我印象最深的，一是儿童的叙述视角；二是乡土本色。从《透明的红萝卜》到“红高粱系列”，以及《三十年前的一次长跑比赛》，好像对这种叙述视角有一种偏爱，不知道是有意为之，还是写作时觉得这样写得比较顺手？另外，就是对山东农村好像有一种难以割舍的创作上的依恋，作品的...
774 美术知识美术资料艺术常识艺术杂谈
书画百杰谈艺录——王隽如艺术[图文]

在中国古代，艺术并不若今天之社会地位，从艺者们有被尊为“艺术家”之荣幸。在过去，从艺之人不论对书画，演戏，乐音等之掌握的技艺再高超，也只不过是伶人画工而已，并没有占据更重要的社会地位。故古人之“十年寒窗”苦读，实为“学而优则仕”，入仕被认为是安身立命的正道根本。于上世纪四十年代宁夏固原一个书香世家的王隽如老先生，本也想秉承...
475 美术趣闻艺术评论美术理论艺术知识
徐冰：有问题就有艺术[图文]

徐冰的“木林森计划：台湾”，图为在屏东县三地门乡的教课活动。2008年回到母校担任中央美术学院副院长，重新又回到中国。在徐冰眼中，中国是现今最具实验性、是有可能找到新的文化方式的地方。为此他开始更深入地探讨传统中国与更广泛的社会问题，凤凰项目的出炉便是一大印证。当然更重要的或许还在于，当今中国当代艺术与经济、资本也发生了更多的关系。为此，此时的艺术家面临的挑战或诱惑更多...
329 美术知识美术资料艺术常识艺术杂谈
粉画艺术的特性与时下的认识误区[图文]

郑家沅寂静的海滩53×74cm1996年粉画同油画、水彩不一样，它不能先调合颜色再下笔，而是用固化的色粉笔直接在画面上配置色彩关系，以有限的色阶表现无限的色彩与空间。这给粉画带来很多的限制，然恰恰因为限制，则为粉画造成了油画、水彩等其他画种无可替代的艺术特色。粉画的这种特点与作画方式，是从它的前身——素描脱胎而来的，亦由此带来了硬笔绘画的疏松感和单纯、简洁、婉...
1318 美术理论艺术理论艺术知识美术观点
杉本博司的东方式美学[图文]

《直到长出青苔》近来，日本摄影家杉本博司正在为中国读者所熟悉。他的作品以无懈可击的黑白语言和钻石般鲜明锐利的影像将摄影的魅力生动地展现出来，极致了摄影的品质和意义。我在11年前曾采访过杉本博司，他对我说：“我很喜欢中国的宋代山水画，特别是南宋马远的作品。”“彩色摄影的色是化学性的，有点工业制品感觉。虽然能吸引注意力，但容易浮在面上；黑白摄影的色是绘画性的，像水...
1967 美术理论艺术理论艺术知识美术观点
喜歌剧要本土化，不忘娱乐大众[图文]

■上海首届喜歌剧展演下周上演6部喜歌剧■艺术总监、导演李卫谈歌剧改编本土化问题“改编的初衷，是为了让观众更好地理解剧情。我做得更多的是将舞台风貌现代化、亲民化，强调歌剧的娱乐作用。喜歌剧这种题材，再怎么强调娱乐作用，都不会影响其内涵，它本来就是为了娱乐大众而存在的。”——李卫李卫导演的《群妖围舞》《女仆当家》被改编成老教授和小保姆之间的故事下...
747 美术理论艺术理论艺术知识美术观点
现代书法[图文]

魏立刚魔块·蓝潭（现代书法）长篇文字全篇章法美，书体趋于自由性，其大小、行列、疏密的变化大，常空格留白，形成美的节奏，多见于书札。现代书法已经不是功用性，进入艺术领域，书体的形式感被加强了，向绘画方面靠近，注重浓、淡、干、湿的变化美，审美也趋向绘画，书法变得更加自由，强调个性的抒发。然而，当今的书法多草率，对单个字的传统训练往往缺少，抑或有强烈的个性抒发，但少深沉、多粗俗，或追...
1756 美术理论美术常识艺术科普艺术杂谈
沙特阿拉伯艺术“一起来”[图文]

沙特阿拉伯艺术“一起来”一位来自沙特阿拉伯的艺术家制造了美国国会大厦圆顶的微缩版，同时还缩小了自由女神铜像，并将其置于圆顶的下方——而这个由托马斯·克劳福德设计的铜像原本位于国会大厦的圆顶之上。这个13尺宽的微缩版与原版更加不同的是，它的内部设计更像一座清真寺。这件作品从属于“一起来”(ComeTogethe...
851 美术趣闻艺术评论美术理论艺术知识